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En esta sección podrá conocer nuestra oferta en Libros de Cine.

  • JUAN PINZÁS. UN UNIVERSO...

    No es fácil encontrar en el panorama del cine mundial cineastas capaces de mantener un universo propio en todas sus obras y que además cambien de registro y transmitan un intenso amor al cine desde una independencia que es seña de identidad. Autores insobornables que vivan por y para el cine. Juan Pinzás es uno de ellos. Ganador del Premio al Mejor Director de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York en 2002, la misma que en en 2006 le premiaría con su máximo galardón, el Extraordinario de Cinematografía, Pinzás se ha hecho acreedor de numerosos premios y retrospectivas de su obra en festivales de todo el mundo. En 2008 obtuvo en España el Premio Nacional de Cinematografía Cultura Viva.

    El hombre, el cineasta, Juan Pinzás, es analizado de forma exhaustiva y a un tiempo literaria en este libro escrito por cuatro conocedores de su obra que han intentado penetrar en sus misterios, capturar su belleza y comunicar así al lector la misma pasión cinéfila y artística.

    ¿Puede hablarse de un estilo Juan Pinzás o pinzasiano? Sin duda, nos encontramos ante un cineasta independiente casi en estado puro. Toda su obra –incluídos sus más de veinte cortometrajes– ha sido hasta ahora personal y diferente, La gran comedia, un homenaje al maestro Berlanga, espontáneo y lleno de simpatía. El juego de los mensajes invisibles se adentra en el cine literario, con un equilibrio complicado entre realidad y fantasía, y La leyenda de la doncella es la obra de Pinzás más adscribible al cine de género: el fantástico. Las películas Dogma 95, con certificado oficial de Lars von Trier, han permitido experimentar a Juan Pinzás en la trilogía: Érase otra vez, Días de boda, El desenlace, y han colocado al director español en las vanguardias más originales del cine europeo. Pero Pinzás es un artista inquieto y tras el Dogma se abre una etapa llena de posibilidades expresivas, y desde luego personales, intensamente personales.

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  • DICCIONARIO DE PELÍCULAS....

    La comedia es el género más antiguo de toda la historia del cine, en dura pugna con el documental. Suele citarse "El regador regado" (1897), de los hermanos Lumiere, como su primer antecedente. Dado que el cine surgió a finales del siglo XIX en las barracas de feria, su primera intención fue atraer al público con una oferta jocosa y festiva. El modelo a seguir para ese fin era el teatro de variedades, y por eso las primeras películas cómicas repitieron los mismos estereotipos que ya funcionaban sobre el escenario, incidiendo en su carácter visual. Fue durante la era del cine mudo cuando el género alcanzó su momento de mayor gloria, gracias a colosos como Buster Keaton, Harold Lloyd, Max Linder, Charles Chaplin, Laurel y Hardy... Casi cien años han pasado desde entonces, y las numerosas obras maestras protagonizadas por estos genios aún no han sido superadas. En el camino han quedado las aportaciones de nombres emblemáticos del género como Howard Hawks, Frank Capra, Billy Wilder, Jacques Tati, Alexander Mackendrick, Dino Risi, Luís García Berlanga...

    El "Diccionario de películas. La comedia", la obra más ambiciosa y exhaustiva publicada en nuestro país sobre este género, arranca en los albores del siglo XX y llega hasta los estrenos más actuales, abarcando todas las nacionalidades (aunque con un claro y lógico predominio de las producciones norteamericanas, españolas, italianas y británicas) y subgéneros: comedia romántica (de "El bazar de las sorpresas" a "Pretty Woman"), "screwball comedy" (de "Sucedió una noche" a "¿Qué me pasa doctor?"), parodia (de "Contra los fantasmas" a "Aterriza como puedas"), comedia social (de "Caballero sin espada" a "Full Monty"), negra (de "Arsénico por compasión" a "La guerra de los Rose"), escatológica (de "Porky's" a "Algo pasa con Mary"), juvenil (de "Todo en un día" a "American Pie"), anárquica (de "Una noche en la ópera" a "La vida de Brian")... Así hasta llegar a 1713 títulos. Cada voz incluye la opinión del autor, una completa ficha técnica y una calificación orientativa para conocer mejor un género que el genial Mel Brooks definió, en contraposición con la tragedia, del siguiente modo: "Tragedia es cuando yo me corto un dedo. Comedia es cuando tú te caes por el hueco del ascensor y te matas".

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  • DICCIONARIO DE PELÍCULAS....

    De los 730 títulos que incluye este "Diccionario del cine musical", un elevado porcentaje corresponde a películas rodadas en Estados Unidos, en atención a la incuestionable hegemonía que ha ostentado Hollywood en ese género, desde la incorporación del sonido, en 1929, hasta hoy. Pero en las páginas de esta obra también figuran muchos de los filmes que ­en épocas diversas­ contribuyeron a enriquecer el musical de extracción europea; menos universal que el norteamericano pero no menos digno de mención, dada la personalidad, categoría y significación de varias de sus aportaciones al universo mágico del llamado ­justamente­ espectáculo total.
    Así, junto a los nombres famosos de George Cukor, Vincente Minnelli, Gene Kelly, Stanley Donen, George Sidney o Bob Fosse, aparecen los de Carmine Gallone, Richard Lester, Jacques Demy, Ken Russell, Franco Zeffirelli o Carlos Saura; del mismo modo que títulos como "Un día en Nueva York", "Cantando bajo la lluvia", "Un americano en París", "My Fair Lady", "West Side Story", "Moulin Rouge" o "Chicago" alternan con los de "El congreso se divierte", "French Can Can", "Las zapatillas rojas", "Carrusel napolitano", "Los paraguas de Cherburgo", "Bodas de sangre" o "El amor brujo".
    Es evidente que no todas las cintas poseen una misma calidad ­de ahí la calificación establecida en cada caso, a título meramente orientativo­, pero también es cierto que incluso las películas menos valoradas contribuyeron en alguna medida a mantener encendido el fuego sagrado del cine que aquí se comenta; porque "si es casi imposible hacer un musical perfecto ­como dijo John Russell Taylor­, también lo es hacer uno absolutamente malo".
    Este libro, en suma, ofrece al lector la posibilidad de descubrir, recordar o simplemente conocer a fondo ­con toda suerte de datos­ el desarrollo de una especialidad cinematográfica tan compleja y atractiva como la del musical, un mundo hecho de bailes y canciones, de luces y sonidos, que el talento creador de sus artífices más ilustres convirtió en expresión suprema de la fantasía y el espectáculo.



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  • ROBERT REDFORD. EL CHICO DE...

    En la actualidad, más de setenta años contemplan a la última gran estrella en activo que le queda al mundo del cine. Además de un innegable atractivo físico y un fuerte poder de seducción en pantalla y fuera de ella, Robert Redford –Bob, para los amigos–, es ante todo un excelente actor californiano que en cada una de sus películas aporta su personalidad y sus valores ante la vida. Conocido como “Golden Boy” (“El chico de oro”) por su físico de pelo rubio y sus éxitos en taquilla, y también como “Macho Garbo” por su misteriosa forma de comportarse en Hollywood, Redford siempre ha sido un hombre bastante reservando en su vida privada. Es por eso que en los capítulos que componen este libro no sólo se presta la debida atención a su figura en el mundo del cine como actor y director, sino a otros aspectos como su triste infancia y alocada juventud, su paso por el teatro y la televisión, su matrimonio, su status de sex symbol, sus opiniones políticas, su lucha por la ecología, y, por supuesto, su labor al frente del Festival de Cine de Sundance.

    Siempre recogiendo su visión de la realidad, Redford ha cuidado su carrera a partir de personajes como el bandido simpático de Dos hombres y un destino, el hombre de las montañas en Las aventuras de Jeremiah Johnson, el timador con estilo de El golpe, el romántico escritor de Tal como éramos, el millonario delicado y enigmático de El gran Gatsby, el periodista íntegro de Todos los hombres del presidente (1976), el aventurero de Memorias de África y el vaquero pausado de El hombre que susurraba a los caballos. Películas que nos desvelan una imagen y una marca, la suya propia: Robert Redford, tal como es.

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  • RODAJES AL BORDE DE UN...

    Rodajes al borde de un ataque de nervios muestra las vicisitudes, problemas y controversias por las que atravesaron algunas de las producciones más míticas del cine español.

    Películas con temáticas muy distintas que, en muchos casos, se vieron sometidas a la censura más atroz y que mostraron, a pesar de ello, la manera de vivir, sentir y pensar de una nación muy diferente a la que hoy conocemos con el nombre de España.

    Que Juan Antonio Bardem se atreviera en 1957 a abordar en La venganza, conflictos laborales de las gente del campo, o dramáticas infidelidades conyugales en Muerte de un ciclista; que Luis Buñuel volviera a su país tras el exilio para mostrar con sabia maestría, capaz de burlar al más intrépido censor, dos Españas bien distintas, una arcaica y polvorienta y otra vital y emprendedora en Viridiana, o que José Luis Garci abordara en Asignatura pendiente una de las pocas películas que se realizaron sobre la transición española, viene a demostrar la capacidad creadora de algunos de nuestros más ilustres cineastas en momentos poco propicios para la crítica.

    Con Rodajes al borde de un ataque de nervios pretendemos no solo homenajear a unos hombres y mujeres que, en su día, se la jugaron por plasmar tanto sus ideas como su visión cinematográfica, también queremos dar a conocer, especialmente a las nuevas generaciones que ven en Amenábar, Alex de la Iglesia o Julio Medem sus iconos en el arte de la imagen en movimiento, que, antes que ellos, hubo toda una serie de grandes maestros, considerados como tales al más alto nivel internacional, sin cuya labor nuestro cine no hubiera estado nunca entre los mejores del mundo.

    Con directores como Miguel Picazo, Luis García Berlanga, Carlos Saura, Luis Buñuel, J. A. Bardem… Productores como Pedro Masó, José Luis Dibildos, Elías Querejeta… Y actores y actrices como Aurora Bautista, Alberto Closas, Carmen Sevilla, Pepe Isbert, Carmen Maura… se escribe gran parte de nuestra historia en el Séptimo Arte.

    Y para que en esta propuesta literaria tengan cabida todos los gustos cinematográficos, hemos querido elegir un ramillete de títulos de lo más dispar. Desde La tía Tula a El verdugo, pasando por La verbena de la paloma o La ciudad no es para mí, hasta títulos como Marcelino pan y vino o La gran familia.

    Todos ellos tuvieron una historia detrás donde muchas veces los problemas económicos daban la mano a los provenientes de la censura y el caos.

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  • LOS HUSTON. HISTORIA DE UNA...

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  • LUCES DE SIAM. UNA...

    Virtualmente desconocida a escala internacional, la cinematografía tailandesa no es, sin embargo insignificante ni de reciente creación. Antes bien, con un bagaje de alrededor de cuatro mil largometrajes a sus espaldas, hunde sus raíces en los años veinte, por más que no alcance una mínima estabilidad hasta después de la Segunda Guerra Mundial y sólo en los años cincuenta y sesenta se configure como una industria pujante, aunque estrictamente replegada sobre el mercado interior. Una más inquieta generación de cineastas permitirá a mediados de la turbulenta década de los setenta hablar de un nuevo cine tailandés, pero las adversas condiciones socio-políticas y la falta de una auténtica proyección internacional limitarán considerablemente el impacto de este movimiento. Habrá que esperar, de hecho, a la segunda mitad de los noventa, coincidiendo curiosamente con la grave crisis económica desencadenada en el país en 1997, para asistir a la eclosión de un auténtico renacimiento del cine tailandés y a una verdadera presencia del mismo en el circuito internacional de festivales y aun en las pantallas comerciales de todo el mundo. Entusiasmo y creatividad suplen con creces las limitaciones de una industria todavía endeble y, de este modo, el cine tailandés emerge en estos años como la última gran revelación llegada de Oriente, sorprendiendo a propios y extraños que acaso nunca antes habían tenido un conocimiento directo del mismo. Primer estudio monográfico publicado en cualquier lengua occidental, Luces de Siam quiere ser, como su propio subtítulo apunta, una auténtica introducción a la historia y realidad del cine tailandés.

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  • EL CHEF DE KUBRICK

    Un cocinero italiano es fichado para poner orden gastronómico en la mansión inglesa de los Kubrick. Aunque al principio comprueba que en todas partes cuecen habas, pronto se integrará en el heterodoxo núcleo familiar, siendo ocasional confesor e inspirador del mítico cineasta. "El Chef de Kubrick" plantea, al dente y mezclando hechos y personajes reales con rigurosa invención, la naturaleza quijotesca y doméstica de la relación entre ambos personajes, además de ofrecer un gran angular de la situación del cine en los años sesenta y setenta mediante la intervención como "invitados comensales" de figuras como Jack Nicholson, Malcom McDowell, Arthur C. Clarke o Buñuel. En la novela también están presentes los rodajes de filmes como "2001", "La naranja mecánica" o el inconcluso "Napoleón". En fin, un nutritivo plato de cine-ficción que gravita alrededor del monolito más fabuloso y "fabulable" de la Historia del cine: Stanley Kubrick.



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  • PRESTON STURGES

    Preston Sturges poseía un talento abrumador: era uno de los mejores guionistas-directores de Hollywood; las doce películas que dirigió son, en su mayoría, prodigios de imaginación y ritmo cómico. Y si su agitada existencia no hubiera sido un reflejo de las situaciones de caos absurdo a que sometió a tantos de sus personajes, podría haber producido otra docena de joyas cinematográficas. Al final, comprimió cinco años de gloria artísitica en una carrera tan excéntrica como espectacular.

    Hasta el final de sus días, Sturges se definió a si mismo como escritor más que director; sin embargo, el interés de su producción como guionista en los años treinta hubiera quedado reducido a un terreno estrictamente esotérico si Preston Sturges no hubiera dado el salto decisivo del despacho del guionista a la silla del director con "The Great McGinty" (1940).

    Aunque en la actualidad es frecuente que los guionistas se hagan directores, en los artesanos años treinta, cuando los productores no se recataban de dspedir a los directores que osaban enredar en los guiones, el caso no era tan común. La ascensión de Sturges propició un movimiento de directores-guionistas que implicó a John Huston, Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz, Richard Brooks y Blake Edwards, entre otros.

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  • ESPAÑOL DE CINE. LO QUE HAY...

    Más de 250 películas imprescindibles de España e Hispanoamérica desde el inicio del sonoro hasta hoy, rodadas en español. Una selección de las más destacadas películas de nuestra cultura, rescatando las joyas olvidadas sin prescindir de las cintas más comerciales y conocidas. Un enfoque totalmente innovador que asocia la mejor producción cinematográfica rodada en español.

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